About

Gallery

イシカワ・イシカワは、石川県金沢市を拠点とする現代美術ギャラリーです。現代美術を中心に、陶芸をはじめとする工芸、メディアアートなどを紹介します。

ギャラリーディレクター・批評家の石川嵩紘が、同時代の美術が向き合うべき問いを共有できる作家の展覧会を企画します。作品とその背景にある思考や文脈に触れ、それらが交差する場として、地方都市・金沢から新たな対話を発信します。

Ishikawa, Ishikawa is a contemporary art gallery based in Kanazawa, Ishikawa. The gallery presents contemporary art alongside craft, including ceramics, and media art.

Gallery director and critic Takahiro Ishikawa organises exhibitions by artists whose work shares questions that contemporary art must address today. From Kanazawa, the gallery creates a place where works, ideas, and their contexts can meet, and opens new conversations beyond the city.

Opening Note

想像できない未来は、過去の選択がつくった未来なのだ。An unimaginable future is a future made by past choices.

「Ishikawa, Ishikawa」開廊に寄せてOn the opening of Ishikawa, Ishikawa

いつかは自分のギャラリーを持ってみたいと思っていた。それが今というのが遅かったのか早かったのかはわからない。しかもその場所が、人生の大半を過ごした東京ではなく金沢になるとは、想像もしていなかった。

コロナ以降、個人的にいろいろなことがあった。いいこともあったが、頭をよぎるのは反省と申し訳なさばかりだ。この文章を書いている今も悩んでいる。それでも、自分にできることを精一杯やるしかないと思い、ギャラリーに挑戦することにした。

話は変わるが、現代美術は東京に集中しすぎているかもしれない。六本木、天王洲、馬喰町を回れば、いまの現代美術はひととおり見渡せる。そのせいか、現代美術に関わるなら東京にいなければならないような錯覚さえ覚える。けれども、そうした場所でギャラリーを構えることに現実味を持てなかった（そんなお金もない）。

自分と現代美術の関係を振り返ってみると、原風景にあるのはいわゆるゼロ年代のギャラリーの姿だ。マンションやアパートの一室で、作家もギャラリストも観客も近い距離で作品を囲み、熱く言葉を交わしていた。ああした「何かが起こりそうな」マジックを、自分の手で生み出してみたい。だから中心地にこだわる必要はないのかも、と思った。

金沢は文化の厚い街で、伝統を大切にする土地柄だと言われる。しかし、実際に暮らしてみると新しいことへの関心が強く、協力を惜しまない方が多いことに気づかされる。そうした方々がいるなら、種を撒き続ければきっと芽は出る。観客をゼロからつくっていく覚悟でいる。

僕はコレクターであり、画商でもある。もとは日本画を描いていて、少し前までは美術館の学芸員でもあった。そして、最近は批評を書いている。先日、第17回『美術手帖』「芸術評論募集」で「『リバース・オリエンタリズム』から見た生活陶芸　現代美術という帝国に向かう周縁」という論文で佳作をいただいた。もともと文筆の仕事はたまに受けていたが、これをきっかけに批評を書く機会が増えて嬉しく思っている。

批評とは、言葉によって作品や活動に新たな輪郭を与える行為である。批評家がギャラリーを営むとなれば、批評が商売道具になると危惧する人もいるだろう。ただ、その心配は批評が大きな力を持っていることを前提にしている。実際には、作品の「評価」はいまや批評より市場で決まることが多い。それでも批評が要らなくなったわけではないだろう。言葉がなければ、作品の価値は値段でしか語られなくなるからだ。批評が後退したのは、その形式が硬直し、複層化した社会を捉えきれなくなったからだと思う。だとすれば、価値が実際に決まる現場の内部に立つことで、批評はもう一度説得力を持てるかもしれない。先の論文も、さまざまな現場を渡り歩くなかで考えてきたことをまとめたものである。これからもその姿勢で物事の価値を問い続けるつもりだ。

こけら落としの展覧会は、梅津庸一さんの個展だ。梅津さんの美術への問題意識には自分と重なるところがあり共感できるのだが、何より重要なのは僕が梅津さんの作品を好きだということだ。こうした作家に出会えたことこそ自分が現代美術を続ける理由にほかならない。

個展「ありえたかもしれない正解への遡行」は、デビューから20年以上を経た梅津さんのキャリアを少し違う角度から捉え直す展覧会である。後述する書籍に収めた評論で、梅津さんの創作の来歴を「開発」と「設計」から読み解いたことが、本展のテーマの出発点になっている。梅津さんにとって作品は自らの感性を燃料に動く機械のようなもので、それをエンジニアのように組み上げていく。一つのモチーフを発展させ、枝分かれさせていくのが「開発」。ドローイングの造形や色彩を陶芸などほかのメディウムと掛け合わせ、新たな系統を生むのが「設計」だ。会場に並ぶのは、ドローイングの亜種としての陶芸、あるいは陶芸の亜種としてのドローイングなのかもしれない。

そして、個展にあわせて、梅津さんについて僕が書いた評論「ケアとフェア」と長大なインタビュー、図版を収録した書籍も出版される見込みだ。書籍のタイトルも、個展と同じ名前がついている。梅津さんを知る入門的な一冊であり、自分にとって思い入れの深い本になった。本のデザインは、詩的ですばらしい装丁を手がけるサイトヲヒデユキさんにお願いした。ギャラリーのロゴも、サイトヲさんの手によるものだ。オープニングには間に合わないが、会期中に出版することを目指している。出版社は『ラムからマトン』のアートダイバーである。

このタイトルが示唆しているのは、作家がたどりえたもう一つの道筋、オルタナティブな可能性である。思い起こされるのは、奈良美智さんが44歳のときに原美術館で開いた「From the Depth of My Drawer」（2004年）だ。あの個展もまた、「開かれていたかもしれない可能性」を見つめ直す展覧会だった。奇しくも梅津さんも44歳である。キャリアを積み上げてきた作家にとって、来た道を振り返り、分岐点を確かめ直す時期なのかもしれない。

「オルタナティブな可能性」と書いたが、この言葉は近ごろ美術の世界でもよく目にする。けれども、それは本当にオルタナティブなのだろうか。オルタナティブ・ロックがいつしか主流に呑み込まれていったように、言葉だけが形骸化していく危うさも感じる。このギャラリーでも、オルタナティブな切り口で展覧会を企画することがあるかもしれない。その時は、言葉ではなく中身で示していきたい。ともあれ、自分の過去にもオルタナティブな「正解」はあったのだろう。それでも、選択を重ねた末にいま金沢の地に根を下ろしているのだから、その意味はこれからの活動のなかで見えてくるはずだ。

梅津さんはよく「自分の人生を費やしてきた現代美術がつまらないものであってほしくない」と口にする。僕も同じ気持ちでいる。

2026年10月　石川嵩紘

I had always thought that someday I would like to have a gallery of my own. I can’t tell whether now is too late or too early. And I never imagined that the place would be Kanazawa rather than Tokyo, where I spent most of my life.

A lot happened to me personally after the pandemic. There were good things too, but what crosses my mind is mostly regret and a sense of having let people down. Even as I write this, I am still struggling. Still, I felt the only thing to do was to give everything I could, and so I decided to take on a gallery.

To change the subject: contemporary art may be too concentrated in Tokyo. Make the rounds of Roppongi, Tennozu and Bakurocho and you can survey most of what is happening now. Perhaps because of this, one even falls under the illusion that to be involved in contemporary art you have to be in Tokyo. Yet I could never feel that setting up a gallery in such places was realistic for me (nor do I have that kind of money).

Looking back on my own relationship with contemporary art, what lies at its origin is the galleries of the 2000s. In a room in an apartment block, artists, gallerists and viewers gathered closely around the works and talked with passion. I want to create that kind of magic—the sense that something might happen—with my own hands. So perhaps, I thought, there is no need to insist on the centre.

Kanazawa is said to be a city with deep cultural roots and a strong regard for tradition. Yet actually living here, I realise how many are eager for new things and generous with their help. With people like that around, if I keep sowing seeds, something will surely sprout. I am prepared to build an audience from zero.

I am a collector and an art dealer. I originally painted Nihonga, and until recently I was also a museum curator. And these days, I write criticism. Recently, my essay “Seikatsu Tōgei through ‘Reverse Orientalism’: The Periphery Facing the Empire of Contemporary Art” received an honourable mention in the 17th Bijutsu Techo Art Criticism Award. I had taken on writing work now and then, but I am glad that this has brought more opportunities to write criticism.

Criticism is the act of giving new contours to works and practices through words. Some will worry that when a critic runs a gallery, criticism becomes a tool of the trade. But that worry assumes criticism still holds great power. In reality, the “evaluation” of a work is now more often decided by the market than by criticism. That does not mean criticism is no longer needed—without words, the value of a work can only be spoken of in terms of price. I think criticism retreated because its forms grew rigid and could no longer grasp a society that has become so layered. If so, by standing inside the site where value is actually decided, criticism may be able to regain its persuasiveness. My essay, too, brought together what I had been thinking while moving between many different sites of practice. I intend to keep questioning the value of things from that position.

The opening exhibition is a solo show by Yoichi Umetsu. His concerns about art overlap with mine and I sympathise with them, but what matters most is that I love his work. Meeting artists like him is the very reason I continue to work in contemporary art.

The exhibition “Back Toward What Might Have Been Right” looks again at Umetsu’s career—more than twenty years since his debut—from a slightly different angle. Its theme grew out of an essay in the book described below, in which I read the history of his practice in terms of “development” and “design.” For Umetsu, a work is something like a machine that runs on his own sensibility as fuel, and he assembles it like an engineer. “Development” means elaborating a single motif and letting it branch out. “Design” means crossing the forms and colours of his drawings with other media such as ceramics to generate new lineages. What fills the room may be ceramics as a variant of drawing—or drawings as a variant of ceramics.

To coincide with the exhibition, a book collecting my essay on Umetsu, “Care and Fair,” a lengthy interview and plates is also expected to be published, under the same title as the exhibition. It is an introductory volume on Umetsu, and a book I feel deeply attached to. The design is by Hideyuki Saitowo, known for his poetic and beautiful book designs; the gallery’s logo is also his work. It will not be ready for the opening, but we aim to publish it during the exhibition. The publisher is Art Diver, publisher of Lamb to Mutton.

What this title suggests is another path the artist might have taken—an alternative possibility. It brings to mind Yoshitomo Nara’s “From the Depth of My Drawer” (2004), held at the Hara Museum of Contemporary Art when he was 44. That exhibition, too, looked again at possibilities that might have been open. Coincidentally, Umetsu is also 44. For an artist who has built a career, this may be the time to look back along the road travelled and confirm the points where it forked.

I wrote “alternative possibilities,” but the word has lately become common in the art world too. Is it really alternative, though? Just as alternative rock was at some point swallowed by the mainstream, I sense the danger of the word becoming an empty shell. This gallery, too, may organise exhibitions from an alternative angle. When it does, I want to show it through substance rather than words. In any case, there were surely alternative “right answers” in my own past as well. Still, having made choice after choice, I have now put down roots in Kanazawa, and what that means should become clear through the work ahead.

Umetsu often says, “I don’t want the contemporary art I have spent my life on to be something boring.” I feel the same.

Takahiro Ishikawa, October 2026

Director

石川嵩紘Takahiro Ishikawa

ギャラリーディレクターGallery Director

批評、展覧会企画。1985年生まれ。石川県在住。イシカワ・イシカワ ギャラリーディレクター。多摩美術大学造形表現学部造形学科日本画専攻卒業。これまで小山登美夫ギャラリースタッフ、三越コンテンポラリーギャラリーバイヤー、リコーアートギャラリーディレクター、国立工芸館特定研究員を務める。第17回『美術手帖』「芸術評論」佳作受賞「『リバース・オリエンタリズム』から見た生活陶芸　現代美術という帝国に向かう周縁」。『奈良美智オンラインカタログ・レゾネ』年表・展覧会解説執筆。『スローな復興　能登半島地震復興をスローツーリズムから考える』（仮題）を桂書房より近日出版予定。

Critic and curator. Born in 1985 and based in Ishikawa. Gallery Director of Ishikawa, Ishikawa. Graduated in Nihonga (Japanese-style painting) from Tama Art University. He has worked at Tomio Koyama Gallery, as a buyer for Mitsukoshi Contemporary Gallery, as director of RICOH ART GALLERY, and as a specially appointed researcher at the National Crafts Museum. His essay “Seikatsu Tōgei through ‘Reverse Orientalism’: The Periphery Facing the Empire of Contemporary Art” received an honourable mention in the 17th Bijutsu Techo Art Criticism Award. He wrote the chronology and exhibition texts for the Yoshitomo Nara Online Catalogue Raisonné. His book Slow Recovery: Rethinking Reconstruction after the Noto Peninsula Earthquake through Slow Tourism (working title) is forthcoming from Katsura Shobo.

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